Sistem Stanislavski Apa itu, karakteristik dan bagaimana itu digunakan dalam tindakan

Sistem Stanislavski Apa itu, karakteristik dan bagaimana itu digunakan dalam tindakan

Mereka mengatakan bahwa kata -kata favorit Stanislavski terhadap murid -muridnya adalah "Saya tidak percaya Anda, jangan meyakinkan saya". Caranya melihat dan memahami bagaimana seniman teater harus bertindak menuntut tetapi juga teliti. Sedemikian rupa sehingga menjadi metodenya sendiri: Sistem Stanislavski.

Pendekatan sistematisnya untuk bertindak tidak hanya merevolusi cara dia bertindak di Rusia pada masanya, tetapi juga berhasil mentransfer perbatasan yang mengubah jalannya teater barat.

Metode ini sangat penting bagi drama, seri, dan film seperti yang kita ketahui hari ini dan kemudian kita akan menemukan alasannya.

  • Artikel Terkait: "Apa 7 Seni Rupa? Ringkasan karakteristiknya "

Apa sistem stanislavski?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskow 1863 - 1938), lebih dikenal sebagai Stanislavski, adalah aktor yang produktif, direktur pemandangan dan pedagog teater Rusia Dikenal sebagai penulis salah satu metode terpenting untuk sejarah Seni Pertunjukan: Sistem Stanislavski. Sebagai hasil dari upaya bertahun -tahun, metodenya dimaksudkan untuk membuat aktor mengendalikan aspek -aspek dari perilaku manusia yang paling tidak berwujud dan tidak terkendali saat mereka berada di atas panggung, seperti emosi dan inspirasi artistik.

Stanislavski Dia mempelajari apa yang dilakukan para aktor itu, secara alami, berhasil masuk ke dalam karakter. Dari pengamatan dan pengalamannya, sutradara Rusia ini menciptakan sistem yang dapat diterapkan oleh setiap aktor, baik novel maupun veteran dalam profesi ini, dapat diterapkan dalam karya -karyanya yang mencapai kinerja yang lebih bersih, nyata dan alami. Metode ini sangat revolusioner pada saat penampilannya sehingga menandai sebelumnya dan bahan bakar di dunia aksi, menetapkan standar yang membatasi batas antara tindakan meyakinkan dari buatan dan yang kurang terwakili.

Metode ini merumuskannya pada saat seni pertunjukan tanah airnya, Rusia, ditandai dengan klise konvensional dan stereotip. Para aktor bertindak secara artifisial, bahkan histrionik. Karya -karya itu dimandikan oleh halo emosionalitas palsu dan sedikit persiapan oleh para aktor, begitu langka sehingga mereka bahkan belajar apa yang mereka katakan ketika mereka sudah di atas panggung. Sedikit atau tidak sama sekali melihat libretto di mana apa yang seharusnya dihafal.

Stanislavski melakukan penyelidikan yang cermat untuk membuat aktor mereka bekerja sejak awal dengan sesuatu yang mereka anggap nyata, Orang, elemen dan objek yang dilihat bukan hanya elemen skenario, tetapi bagian dari adegan yang nyata dan duniawi, bagian dari kehidupan itu sendiri. Orang bukan aktor dalam hidup kita, tetapi kita adalah bagian dari mereka, kita hidup lebih dari sekedar bertindak.

Untuk membuat aktor memasuki adegan yang diwakilinya, Stanislavski membela penggunaan memori emosional. Aktor atau aktris harus mengingat pengalaman pribadi yang mirip dengan yang ia coba wakili, membantunya merasa lebih tenggelam dan terlibat dalam apa yang mencoba mewakili di atas panggung. Anda harus mencari situasi sejarah vital Anda di mana Anda merasa emosi yang analog dengan karakternya.

Tapi ini tidak tercapai hanya membangkitkan emosi yang tulus. Dukungan eksternal juga diperlukan, memodifikasi penampilan dan perilaku kita untuk memberikan kehidupan pada karakter yang dimaksudkan untuk mewakili atau, lebih tepatnya, menghidupkan. Make up, berpakaian, berjalan, pada akhirnya berperilaku seperti karakter karena tindakan fisik eksternal membantu memicu emosi yang dicari, mengikuti prinsip bahwa jika Anda mulai menangis, akhirnya menjadi sedih.

  • Anda mungkin tertarik: "20 film tentang psikologi dan gangguan mental"

Prinsip -prinsip Sistem Stanislavski

Sistem Stanislavski cukup kompleks dan tidak dapat dikatakan bahwa itu statis justru karena berapa banyak yang telah berkembang sejak dikonseptualisasikan pada awal abad kedua puluh. Namun, dimungkinkan untuk menyoroti beberapa prinsip terpentingnya, yang telah berkontribusi untuk menandai sebelum dan sesudah dalam cara di mana artis teater dan, selanjutnya, film dan seri mewakili karakter mereka:

1. Konsentrasi dalam karakter

Aktor harus menanggapi imajinasi belajar berpikir seperti karakter, berkonsentrasi untuk menjadi apa yang dia tafsirkan.

2. Rasa kebenaran

Dengan rasa kebenaran kita dapat mengatakan bahwa salah satu ide dari metode ini adalah untuk membedakan antara organik dan buatan. Stanislavski adalah orang yang sangat percaya bahwa ada hukum alam yang harus diikuti dalam seni pertunjukan, yang, dalam hal dihormati, membedakan karya yang baik, alami dan harmonis, dari yang buruk, buatan dan kebesaran.

  • Artikel Terkait: "13 Jenis Pembelajaran: Apa itu?"

3. Bertindak sesuai dengan keadaan yang diberikan

Aktor harus terampil dalam penggunaan dan pengelolaan keadaan yang diberikan dalam teks, tetapi melalui kebenaran dan menggunakan cara organik. Adalah tentang menempel pada naskah tetapi melepaskan melalui mewakili emosinya, tetap setia pada apa yang muncul di libretto tetapi membuat kinerja memiliki kepribadian dan kealamian.

  • Anda mungkin tertarik: "Teks Drama: Apa itu, Jenis, Karakteristik, dan Contoh"

4. Metode fisik

Stanislavski melihat bahwa banyak muridnya memiliki ketegangan emosional yang mendalam dan masalah psikis. Melalui metodenya, ia dapat membantu menghilangkan ketegangan fisik dan emosional para aktor, menyebabkan otot -otot rileks saat melakukan presentasi dan bertindak dengan cara yang jauh lebih dirilis.

Ditambahkan ke ini, sutradara Rusia memberikan kepentingan luar biasa pada faktor fisik yang tidak hanya berfungsi untuk bersantai tetapi juga untuk menggelar dengan cara yang lebih dapat diandalkan. Karena inilah sistem Anda juga dikenal sebagai Metode tindakan fisik karena penekanannya pada relaksasi otot saat melakukan kinerja.

  • Artikel Terkait: "Relaksasi Progresif Jacobson: Penggunaan, Fase dan Efek"

5. Bola Perhatian

Bola perhatian adalah apa yang dirujuk oleh Stanislavski dengan sensasi. Aktor harus menemukan dasar sensorik pekerjaan. Dalam tugasnya adalah belajar menghafal dan mengingat sensasi yang dirasakan karakternya, sensasi yang memodulasi suasana hatinya dan caranya berperilaku dengan karakter lain dari pekerjaan dan dengan publik.

6. Komunikasi dan kontak

Aktor harus dapat berinteraksi dengan karakter lain secara spontan, tanpa melanggar konten bebas tetapi tampaknya tidak ada sesuatu yang dipaksakan atau disiapkan secara artifisial. Komunikasi dan kontak dengan aktor lain sangat penting dalam perjalanan esai dan representasi akhir.

  • Anda mungkin tertarik: "28 jenis komunikasi dan karakteristiknya"

7. Peran yang tersegmentasi dalam unit dan tujuan

Seniman harus belajar membagi peran atau peran protagonis mereka menjadi unit sensitif yang dapat bekerja secara terpisah. Itu adalah tugas aktor dan aktris untuk mendefinisikan setiap unit peran yang merasakannya sebagai keinginannya sendiri lebih dari memahaminya sebagai ide sastra yang muncul dari libretto sutradara.

8. Kreativitas dalam aksi dan pemikiran

Anda tidak bisa menjadi aktor tanpa menjadi kreatif. Kreativitas Itu memanifestasikan baik dalam keadaan kreatif maupun dalam cara bertindak sendiri.

  • Artikel Terkait: "Apa itu Kreativitas? Apakah kita semua "jenius kekuatan"?"

9. Bekerja dengan teks libretto

Prinsip ini mungkin terdengar jelas, karena sulit untuk mewakili sebuah karya dengan secara terpercaya mengabaikan apa yang tertulis di libretto. Namun, di Rusia di awal abad terakhir ini tidak memberikannya begitu saja beberapa seniman Rusia, karena pada banyak kesempatan itu terjadi bahwa libretto tidak dibaca dan mereka percaya bahwa mereka akan memberi tahu mereka frasa mereka saat mereka bertindak.

Aktor harus menghormati apa yang ia masukkan ke dalam libretto, menghafal dan menginternalisasi dialognya, tetapi tidak mempelajarinya untuk "muntahnya" pada saat pekerjaan. Aktor harus menemukan arti teks sosial, politik dan artistik, Memahami ide -ide yang telah diabadikan oleh sutradara dalam libretto karya. Sebagai seorang seniman, aktor atau aktris harus berfungsi sebagai sarana untuk mempercayakan nilai -nilai dan visi ini kepada publik yang telah pergi untuk melihat karya itu.

Pentingnya sistem Stanislavski hari ini

Sistem Stanislavski telah berkembang dari waktu ke waktu. Pada awalnya apa yang harus dilakukan para aktor dan aktris adalah menemukan karakter karakter, perlakukan itu sebagai entitas nyata. Namun, dengan berlalunya waktu Praktek menemukan dalam pengalamannya sendiri dimasukkan sumber daya yang memungkinkannya untuk merasakan apa yang dirasakan karakternya dalam situasi apa pun.

Hari ini dipahami bahwa aktor tidak hanya harus memahami apa yang terjadi pada karakternya dalam pekerjaan, tetapi juga harus mengetahui situasi vital di mana dia dan keadaan apa yang mengelilinginya mengelilinginya. Mengetahui hal ini dan menjalaninya dengan dagingnya sendiri, aktor dapat bereaksi dengan cara yang sama terhadap bagaimana karakternya diharapkan untuk melakukannya, membuat kinerja yang paling alami mungkin.

Ini telah melangkah lebih jauh, mencapai fakta saat ini Banyak seniman hidup dalam sehari -hari karena mereka pikir karakter mereka akan melakukannya. Misalnya, bahwa karakternya adalah seorang petani yang tinggal di lapangan, karena dengan begitu aktor pergi musim ke sebuah pertanian dan hidup seolah -olah itu adalah profesi kehidupan aslinya. Seiring berlalunya waktu, sekolah -sekolah interpretasi yang berbeda menambahkan praktik -praktik tertentu ke sistem Stanislavski, menjadi berlalunya waktu di dunia akting yang dikenal sebagai "metode".